Biographie de Alex de la Iglesia

Biographie d'Alex de la Iglesia

Alex de la Iglesia est d’abord dessinateur de bandes dessinées pendant près de dix ans. S'il suit par ailleurs des cours de philosophie à l'université, sa vraie passion demeure le cinéma. Il devient décorateur puis directeur artistique sur divers plateaux, avant de passer à la réalisation.

Au début des années 1990, l’emblématique Pedro Almodovar remarque l'un de ses courts métrages et décide alors de financer son premier long métrage, Action mutante (1992) ; cette comédie gore décrit une société futuriste qui ne valorise que les personnes favorisées et marginalise toutes les autres. Le goût d’Alex de la Iglesia pour l’humour noir se confirme avec Le Jour de la bête, délirante fable sur l’arrivée de l’Antéchrist, qui aborde avec ironie la question religieuse. Le film séduit la critique, fait un carton en Espagne (un million et demi de spectateurs) et offre au réalisateur une renommée qui dépasse les frontières espagnoles.

Il dirige alors Javier Bardem dans Perdita Durango, un road movie violent qui se déroule entre le Mexique et les Etats-Unis ; le film passe quasiment inaperçu. Mais le succès répond à nouveau présent avec Mes chers voisins, comédie purement espagnole mâtinée de références à Star Wars. Alex de la Iglesia peut alors livrer un hommage à l’âge d’or des westerns avec le semi-parodique 800 balles (2004). L’année suivante, il réalise avec Le Crime Farpait une sombre fable sur la laideur qui prend place dans l’univers des grands magasins.

Fort de ces divers succès, Alex de la Iglesia tente alors une carrière anglo-saxonne, qui débute par le thriller Crimes à Oxford, dans lequel il dirige Elijah Wood et John Hurt.

Histoire du cinéma Espagnol

Petite histoire du cinéma espagnol

S’il naît peu après son grand frère français, le cinéma espagnol va connaître un développement beaucoup plus lent, en raison de la dictature franquiste et de la censure féroce qui l’a longtemps frappé. Avec le retour de la démocratie, c’est l’explosion créative et la movida, dont Pedro Almodovar est l’un des plus fervents représentants. Depuis le début des années 2000, la jeune garde ne démérite pas…

1. Histoire du cinéma espagnol

L’Espagne emboîte rapidement le pas à la France, patrie du cinéma, avec de premiers films réalisés en 1896, soit un an seulement après la naissance du septième art. Les premiers studios de tournage voient le jour en 1909 à Barcelone et Madrid. Certains cinéastes étrangers y prennent leurs quartiers.

Peu de films nés sous l’ère du muet sont encore visibles aujourd’hui. En Espagne, le cinéma voit le jour en 1896, soit peu après la naissance même du septième art. La première fiction espagnole serait Riña en un café (1897). Les premières réalisations sont des espagnolades et des seriales, des adaptations de textes littéraires très mélos. On a comparé Segundo de Chomón, réalisateur de l’Hôtel Electrique (1905) et pionnier des films d'animation, à Méliès. Scénariste, réalisateur, il initie nombre de trucages et d’effets spéciaux. Pathé l’avait précisément engagé pour rivaliser avec Méliès, et l'avait amené en France où il travailla sous le nom de Chaumont.

Les premiers studios de tournage sont édifiés en 1909 à Barcelone et Madrid, suivis, en 1910, de la création de la première revue cinématographique, Arte y Cinematografia. La première capitale espagnole du cinéma est Barcelone. Plusieurs cinéastes étrangers l’investissent pour des tournages, de Max Linder à Gérard Bourgeois qui y réalise la superproduction Christophe Colomb (1916).

Après des œuvres légères et des zarzuelas, l’avant-garde émerge en Espagne. La fin des années 1920 voit le premier chef d’œuvre de Luis Bunuel, Un chien andalou, co-écrit avec le peintre Salvador Dali. C’est l’avant-garde qui succède au cinéma commercial.

2. Cinéma commercial et avant-garde

Les adaptations des opérettes espagnoles, ou zarzuelas, typiques du pays, prennent le relais et Madrid succède peu à peu à Barcelone comme place forte du septième art. 58 longs-métrages sont réalisés en 1929.

Les avant-gardistes commencent à faire parler d’eux, parmi lesquels Luis Bunuel. Le maître du cinéma surréaliste, qui crée le premier ciné-club en 1928, signe son premier chef d’œuvre en 1929 avec Un chien andalou, film de 16 minutes seulement. Il en écrit le scénario sur le mode du cadavre exquis en moins d’une semaine, avec Salvador Dali, qu’un rêve aurait inspiré.

Buñuel racontera plus tard : « Nous travaillions en accueillant les premières images qui nous venaient à l'esprit et rejetions systématiquement tout ce qui pouvait venir de la culture ou l'éducation ». Suivront L’âge d’or (1930) et Terre sans pain (1932), avant le long exil de Buñuel.

Les compagnies locales de cinéma apparaissent au début des années 1930, et prennent part au débat politique en choisissant leur camp. La guerre civile espagnole voit l’explosion de documentaires et films de propagande, outils militants pour mobiliser l’opinion.

3. La république et le parlant

Au début des années 1930, des infrastructures locales voient peu à peu le jour : CEA (Cinematografia Española Americana) en 1933, Cifesa (Compaña Industrial Film Español) en 1934, Filmofono en 1935.

Si CEA et Filmfono sont en partie contrôlées par des capitaux étrangers, Cifesa, compagnie valencienne, est purement espagnole.

Proclamation de la République et naissance du cinéma parlant coïncident. Les débats politiques et sociaux se retrouvent au sein même de la création cinématographique. Filmfono, à gauche, est supervisée par Buñuel, la Cifesa choisit le parti de la droite monarchiste et ultra-catholique.

Avec la guerre civile, dès 1936, la production change de visage. La production commerciale s’efface (25 longs-métrages), mais les documentaires (plus de 200 docs et courts-métrages) et films de propagande foisonnent. Les forces politiques et syndicales prennent peu à peu possession de l’outil cinéma.

La Révolution invente un cinéma militant, transmet ses valeurs, se sert des films pour mobiliser l’opinion.

L’histoire du septième art est étroitement liée à l’histoire politique du pays. Avec le franquisme, réduction des moyens et censure sont le lot des réalisateurs. Quelques productions indépendantes voient pourtant le jour.

4. Sous le franquisme

Avec l’avènement du franquisme, en 1939, le cinéma espagnol entre dans la période la plus tragique de son histoire : production réduite au minimum, censure plurielle (militaire, politique, religieuse…). Via le Ministère de l’Intérieur et de la Propagande, la dictature contrôle toutes les formes de création, au premier rang desquelles le septième art.

Contrôlée par le franquisme, la Cifesa devient la voix de son maître. Les valeurs prônées sont le passé glorieux du pays, le patriotisme, la religion catholique, le culte de la guerre. Sous le pseudonyme de Jaime de Andrade, le Caudillo scénarise lui-même le film Raza ("race" en espagnol) (1941) réalisé par José Luis Sáenz de Heredia. Un modèle du genre… Autres genres prônés à l’époque, les films de croisade et les films religieux. Emblématique de cette censure, la création, en 1952, de la Junta de classification y de censura de las peliculas (Assemblée de classification et de censure des films) dont la mission est de juger le contenu moral, politique et social des films.

On note pourtant quelques rares tentatives de productions indépendantes, par exemple sous la houlette du scénariste et réalisateur Edgar Neville ou de Lorenzo Llobet-Gràcia (on lui doit notamment Vida en Sombras ou Vies dans l’ombre, en 1947).

A la fin des années 1950, le régime franquiste réduit en partie la censure et ouvre le cinéma national à des capitaux étrangers. Européens et Américains multiplient les tournages en Espagne. Pourtant, les spectateurs espagnols n’ont pas droit aux versions intégrales des œuvres, mais à des versions édulcorées.

5. Les années 1950-70

Le nouveau directeur de la cinématographie appuie un courant néoréaliste, à ses risques et périls. Quelques films commerciaux connaissent le succès à l’étranger. A la fin des années 1950, Franco assouplit la censure et ouvre la voie à des coproductions avec des compagnies étrangères. Allemands, Italiens, Américains investissent le territoire pour des tournages de peplums et westerns spaghettis. L’Espagne leur fournit décor et main d’œuvre.

Créée par un Français mais vivant grâce à des capitaux et du personnel local, la société Eurociné donne naissance à des produits à bas coût mais à l’apport important, type séries Z, porno-soft, films d’horreur. Le marché français a droit aux versions intégrales, les Espagnols découvrent des versions plus softs, qui ne risquent pas de heurter la morale et surtout pas la censure franquiste : exit le sexe, exit la violence.

Parallèlement à ce cinéma commercial, quelques auteurs apparaissent. Le nouveau cinéma espagnol voit le jour. Carlos Saura émerge à la fin des années 1950, s’inscrivant dans une certaine tradition néoréaliste. Son premier film, Los golfos, applaudi au festival de Cannes, ne sortira en Espagne qu'en 1963.

Exilé au Mexique puis en en France, Luis Bunuel revient pourtant en Espagne, après 24 ans d’absence, pour y tourner Viridiana. Un événement ! Le film, qui obtient la palme d’or à Cannes en 1961 – ex æquo avec Une aussi longue absence - est pourtant interdit dans son pays jusqu’en 1977, deux ans après la mort de Franco.

Le réalisateur Victor Erice critique l’Espagne franquiste avec L’Esprit de la ruche (1973). Manuel Gutiérrez Aragon commence à percer. La fin de la dictature pointe le bout de son nez.

Le fantastique ibérique connaît son heure de gloire à la fin des années 1960. Un genre illustratif servi par quelques gloires locales, de Jorge Grau à Jesus Franco en passant par Paul Naschy.

6. Le cinéma fantastique

Les années 1968 à 1975, avant la fin de la dictature, voient l’émergence et l’âge d’or du cinéma fantastique espagnol, qui n’a pas toujours été évalué à sa juste valeur.

En partie imitant le modèle anglo-saxon, ce genre connaît une trentaine de films phare et quelques brillants serviteurs. Jesus Franco, de son vrai nom Jesus Franco Manera (réalisateur de L’horrible docteur Orlof, Gritos en la noche, en 1962), Narcisso Ibanez Serrador signe La résidence (1971) et Les révoltés de l’an 2000 (1976).

Parmi les plus foisonnants des créateurs du genre, Jacinto Molina (plus connu sous le nom de Paul Naschy), au parcours singulier. D’abord étudiant en architecture, puis champion d’haltérophilie, il devient acteur, scénariste, réalisateur et producteur : c’est une véritable institution à lui tout-seul. Il devient fasciné par l’épouvante après avoir assisté à une projection du film Frankenstein et le loup garou !

Avec la disparition du Caudillo, les vannes de la création sont ouvertes. C’est la grande période de la movida, et nombre de réalisateurs puisent dans la politique et les mœurs pour signer des films où souffle un vent de liberté. Emblématique de ce courant, à la création toujours foisonnante, Pedro Almodovar.

7. L'explosion créative

La censure s’éteint peu à peu après la disparition de Franco, des aides à la création voient le jour.

Au début, c’est le documentaire qui passe au crible l’histoire proche du pays : Chansons pour l’après-guerre (1977), Après… (1980). Politique, régionalisme, mœurs, rien n’échappe à l’inspiration des réalisateurs.

La nomination d’un nouveau directeur de la cinématographie, Pilar Miro, entre 1982 et 1985, est pour beaucoup dans ce foisonnement créatif tous azimuts.

La figure la plus fervente de ces années, emblématique de la movida madrilène, et qui affiche un succès fou, bien au-delà des frontières espagnoles, c’est évidemment Pedro Almodovar. Son premier long-métrage coïncide avec le retour de la démocratie : c’est Pepi, Luci, Bom et autres filles du quartier (1980), puis Le labyrinthe des passions (1982). Anticonformiste, indépendant, il n’hésite pas à jouer la provoc amusée. En passant au crible les bouleversements de la société espagnole, il mêle humour, mélo, engagement et livre des portraits – de femmes souvent - bouleversants. Il a notamment fait connaître Carmen Maura ou Victoria Abril, mais aussi Antonio Banderas et Penélope Cruz, qui ont ensuite affiché une carrière transatlantique. Marisa Paredes est l’une de ses égéries.

Fictions ou documentaires, les cinéastes espagnols affichent une production abondante depuis la fin des années 1990 jusqu’à aujourd’hui. Comédie burlesque ou fantastique, fresques sociales : plusieurs courants sont représentés.

8. La jeune génération

Dans la lignée de Pedro Almodovar, le cinéma espagnol trouve un indéniable regain de vitalité.

Plusieurs cinéastes font leur apparition, avec des univers qui témoignent de la richesse des inspirations et des sujets. Alex de la Iglesia joue la carte de la comédie burlesque, Alejandro Amenabar celle du fantastique. D’origine chilienne, Amenábar arrive à Madrid à l’adolescence. Son premier film, Tesis, est salué par le public et la critique en 1996, puis vient Ouvre les yeux, sorti en 1998 avec Edouardo Noriega et Penélope Cruz, adapté à Hollywood par Cameron Crowe (Vanilla Sky) avec Tom Cruise, aux côté de Penelope qui reprend son rôle. Pendant ce temps il tourne en anglais : son film Les Autres, avec Nicole Kidman, connaît un succès international (2001). Il creuse à sa façon un sillon à succès dans les années 1970 et signe un film plus personnel et émouvant sur l’euthanasie, Mar adentro.

Des réalisateurs comme León de Aranoa ou Achero Manas se penchent quant à eux davantage sur les problèmes sociaux : violence, chômage… Julio Medem signe Tierra (1995), Lucia y el sexo (2000) qui se font aussi connaître hors des frontières.

Comme Almodóvar est le porte-flambeau de la madrilène, Bigas Luna (de son vrai nom Juan José Bigas Luna), lui, s’illustre comme le représentant de l’avant-garde barcelonaise. Ses principaux films : Jamon jamon (1992), Macho (1993), Le téton et la lune (1994).

Certains acteurs connaissent aussi une carrière brillante hors d’Espagne : c’est le cas de Javier Bardem ou d'Eduardo Noriega.

De cinquante films par an dans les années 1980, la production a atteint 150 films en 2006, dont une quarantaine de documentaires.